Una selección de 180 obras fundamentales para articular la radical transformación artística que experimentó Pablo Ruiz Picasso en 1920 para comprender el mural de Guernica.

Además de las obras del Centro Nacional Museo Reina Sofía en Madrid, el Museo Picasso, Centre Georges Pompidou de París; La Tate Modern de Londres; El MOMA y Metropolitan Museum de Nueva York han traído préstamos excepcionales.

"EL MUNDO ES UN CUARTO"Años 20 y 30

Esta sala es una visión personal del artista en la que se despide de su interpretación cubista del cuarto. El cubismo era un himno a la proximidad del mundo, de los objetos ( guitarras, botellas, fruteros...) Obras de colores llamativas y espacios sincopados. El interior ya no es un lugar seguro. El cuarto parece diluirse y desvanecerse, se difumina para dejar un espacio vacio.

La incertidumbre sobre la naturaleza del espacio es para Picasso un asunto cargado de emoción, sobre todo cuando el espacio en cuestión es el de un cuarto, una mesa, paredes, ventanas...El arte era la raraeza, la fragmentación de nuestro entorno en el SXX y se deleitaba en ella...El armazón era el "cuarto-espacio"

Incluso la idea del cubismo como geometría es defendible. Las "facetas" cubistas son los límites afilados del cuarto reiterados en la propiedada que proteger. Las imágenes nos llevan a un matiz Kantiano o a una frialdad racionalista...Los críticos trataron de trataron de conciliar la frescura y la rareza.

Toda una arqueología  de tonos y temáticas en las que Picasso se afanó en encontrar una nueva visión del mundo con la que superar dos crisis, una personal y  pictórica y otra de carácter sociopolítica. LA RAREZA DE LA EXISTENCIA CORPORAL genera figuras monstruosas. LA BÚSQUEDA DE UNA COMPRENSIÓN DE LO BELLO Y LO MONSTRUOSO COMO ALGO INSEPARABLE, entendidas como dos caras de una única entidad que defina la pintura anterior al Guernica.

El arte es encierro, estar dentro de algo...DESCRIBE LAS COSAS CON SOLEMNIDAD, CASI COSMOLÓGICAMENTE, RESULTA GRAVE PERO ACOGEDOR...Esta lleno de instrumentos, juguetes, utensilios, fruta, alcohol..periódicos, fragmentos de esculturas y pide al espectador que lo toque...son lugares donde la propiedad esta desvencijada, papel anticuado, sillones que crujen, la tapicería sucia..

El cuarto es en Picasso una realidad con dos vertientes:espacio de seguridad y placer..la guitarra, la botella..pero también un lugar de amenaza.."Creo en los fantasmas"

BELLEZA Y TERROR, punto de inflexión en Picasso

Les trois danseuses, 1925,  fueron un punto de inflexión.Rostros claramente amenazadores, irrumpe la oscuridad, el desmembramiento en el mundo del cuarto. Las figuras angustiadas sustituyen a las botellas. A partir de 1925 el terror pasó a ser un tema constante.

El terror encajando a la mujer como víctima en sillones de tortura, mujeres que miran y chillan en pánico, una especie de práctica artística desesperada, colores estridentes, cuerpos de garabatos imposibles. EL TERROR COHABITA CON LA COMPLEJIDAD Y EL ORDEN. LO TERRIBLE SE ADUEÑA DEL ARTE DE PICASSO.

Caras y fantasmas..en los momentos de máxima intensidad, la gran tragedia se apodera del ser humano. Ante el orden establecido, aparece el dolor y el odio, es la otra cara del amor...o tal vez para Picasso el amor es una máscara.El mundo es hostil, por eso hay parte de teatro y provocación en su obra.

A los seres humanos les cuesta, según parece indicar la historia, encontrar una forma para la violencia.Son figuras únicas, son monstruos íntimos, variaciones de lo estridente.El dolor se transforma en perplejidad...Caminando hacia el Guernica..un descenso en picado a la oscuridad

MONSTRUOS Y MONUMENTOS

Figuras gigantescas y autosuficientes salen al espacio exterior con playa y cielo.

Los seres antropomórficos, desprovisto de cabeza, los personajes conquistan el territorio, tal vez como Caravaggio inauguró una forma de plasmar el espacio y distribuir la escena con una densidad atmosférica, aquí las herramientas del artista son la metamorfosis del instrumento sacrificador, el desgarramiento de la existencia humana, el arte como un ejercicio de crueldad, cuando el ser pierde su cabeza y la razón, cuando el espectador es testigo del ritual sangriento...ese ojo fálico adquiere un poder de  invertir el sacrificio y revertirlo....entonces la abominable curiosidad encuentra privilegiado consuelo en el arte. FUENTE Marisa Garcia Vergara,catálogo de la exposición.

Los monstruos de Picasso "hacen temblar la tierra bajo sus pies" pero de un modo que al final no provoca miedo sino mas bien un reconocimiento deslumbrado del yo, tal vez compungido. El yo si que es monstruoso, pero la monstruosidad es hermosa, quizá la única belleza verdadera que poseemos.

¿Cuándo irrumpió en su obra lo extravagante, o su radical desintegración y recomposición de la figura humana?

"El arte no está en absoluto ligado a la representación del horror, pero su movimiento lo sitúa a la altura de lo peor. Y recíprocamente la pintura del horror revela la apertura a lo posible. Al menos tiene la virtud de dedicar un momento de nuestra felicidad a la igualdad con la muerte. Si el arte es exorcismo, es porque logra reunir como el Eros primitivo los sexos opuestos, masculino y femenino. Porque revierte la pulsión desorganizadora que el orden de la representación clásica, opone, sin que pueda reunirse jamás la virilidad y el sexo, la naturaleza femenina y el ojo del pintor. De ahí la "monstruosidad bestial" de las criaturas de Picasso, que arrastran con su ruina el cuerpo clásico de la pintura tradicional, la trampa mortal del idealismo que encierra al hombre en la prisión de su deseo, convertido en modelo, concepto y valor de las cosas, petrificado en una muerte adelantada. Su radical desintegración y recomposición de la figura humana es el resultado de hurgar, recolectar residuos y recomponerlos a fragmentos, pariendo cuerpos dolorosamente construidos, integrando fragmentos de procedencia inconfesables...una monstruosa elocuencia a la inexpresiva belleza canónica. FUENTE: Marisa Garcia Vergara. Catálogo de la exposición.

Los desnudos recostados, claustrofóbicos, la parafernalia y la mezcla híbrida de sexos, un erotismo perverso de figuras descoyuntadas, con la lengua protuberante de las histéricas, la sonrisa vertical, la fusión de la violencia y la sexualidad...la figura femenina retorcida sobre sí misma, cabeza abajo, la nariz entre las nalgas y el orificio de la boca vertical...toda una exploración de variaciones erotizadas de la histeria...FUENTE : Marisa Garcia Vergara, catálogo de la exposición.

¿QUÉ SUCEDE CON LA TRAGEDIA?

La obra de Picasso, de una brutalidad horripilante domina el espacio. Durante 1934, año de la "noche de los cuchillos largos",  la purga de rivales afianzó a Hitler en el poder. El asesinato y horror de sus bocetos, se convierten en pedazos corporales o esculturas monstruosas, mortíferas golondrinas negras rajando la graganta de Marat o una Crucifixión, el único episodio cristiano que ilustró el artista, reflejando la crueldad como una característica humana básica.

Aquí despiertan los grandes sentimientos de la tragedia, la santidad, el pecado. Las pinturas de Marat exploran obsesiones psicosexuales de los surrealistas. Tal como una liberación psíquica o energía erótica de los grandes crímenes.

La muerte de Marat es una obra revolucionaria, pero en Picasso, los significados bailan una danza endemoniada. La identificación de Marat con Cristo, que en David enfatizaba el martirio del revolucionario, en Picasso deviene en martirio sexual, vinculado con una figura de mujer histérica y el exorcismo de sus demonios femeninos.

La fascinación de Picasso por la mutación narrativa, la identidad convulsa de sus personajes...

Paranoia, deseos asesinos, autocastigo, fusión de libertinaje y revuelta..Las pinturas de Marat de Picasso exploran obsesiones cosexuales de los surrealistas, quienes hicieron de las homicidas las heroínas del instinto libre y triunfal. El surrealismo veía una relación directa entre la liberación psíquica y la energía erótica de los crímenes sexuales...uno de esos seres híbridos de sexo indeterminado.. Era la fascinación de Picasso por la mutación narrativa, la tragicómica inversión y sustitución de roles, la identidad convulsiva de sus personajes, que retoman su caracterización en distintas situaciones y contextos. Religión, erotismo y sacrificio ritual atraviesan la obra de Picasso. Ya en 1905 había ilustrado la muerte de San Juan Bautista, con Salomé bailando..con un gesto provocador ante Herodes..una mirada paralizante y mutiladora. Le obsesionaba a Picasso el motivo de la decapitación.

EL GUERNICA: MITO E ICONO

El Guernica fue el cuadro que Picasso decidió exhibir en el Pabellón español de la Exposición Internacional de París en 1937. La noticia del bombardeo por parte de la aviación alemana sobre el pueblo vasco de Guernica durante la guerra Civil fue el revulsivo para que Picasso abordara GUERNICA, UN CUADRO QUE HA SIDO CAPAZ DE TRASCENDER EL MOMENTO HISTÓRICO CONCRETO AL QUE LE PERMITE CONVERTIRSE EN EL GRAN ICONO DEL S.XX.

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

El gran mural de Picasso y los estudios previos, es un monumento a la destrucción, un grito de indignación y horror amplificado por el espíritu de la genialidad... la luz del dia y de la noche, el caballo destripado, los cuerpos retorcidos de hombres y mujeres delatan el paso del toro enfurecido, que se vuelve triunfal en un segundo plano, tenso por el deseo y el poder estúpido, mientras en la ventana, la Verdad, cuyos rasgos son la máscara trágica con toda su pureza clásica, proyecta su lámpara sobre la carnicería..

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse impasible ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista. Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la pietá ,esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto.

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. La bombilla también puede ser interpretada como una pupila del ojo de la providencia. Se encuentra dentro de un sol; para A. Visedo es un guiño al título de la Exposición (de las Artes, en la vida Moderna); el sol es Pegaso, el caballito alado que vimos salir de la herida del costado del caballo-yegua, convertido en Constelación (Pegaso) representando el Arte puesto a salvo.Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical salía en algún boceto previo Pegaso. Según la versión de A. Visedo, Pegaso representa el Arte; Picasso cuenta en el lienzo que las obras de Arte que contenía la Pinacoteca del Prado (yegua) fueron sacadas y puestas a salvo por los milicianos de Madrid..

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta. Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración, significando probablemente la pérdida de sangre.La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer. Ella lleva un ridículo tocado y en retoques previos Picasso la pintó llorando, tal como representaba siempre a Dora Maar, su amante.Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana. No obstante recuerda a Mª Teresa Walter en "mujer con vaso", una de las esculturas que Picasso cedió para ser expuestas en el Pabellón de París.Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas. La casa se convierte en una nueva alusión a las Bellas Artes que están siendo destruidas

MATER DOLOROSA...Las mujeres del Guernica

Según indica Chipp, justo antes de proyectar la ubicación del mural, Picasso había terminado una serie de dibujos, doce bocetos, todos ellos numerados y fechados. Como muestran los dibujos posteriores el artista empezó a marcar con un círculo los cambios de su composición. La ubicación del foco empezó a variar, siguiendo una trayectoria triangular de su luz.Al poco tiempo ese triángulo se enfrentaba a un rectángulo horizontal del ventanal situado a la derecha del espacio del estudio. La luz y el ventanal empezaron a vislumbrar la trayectoria y su estrategia de mural definitivo. Contemplar esa serie de estudios permite comprender cómo se llegó a ese punto muerto. FUENTE: Anne M. Wagner. Mater Dolorosa.Catálogo de la exposición.

Madre con niño muerto en escalera I y II. De los casi 50 estudios para el mural definitivo, en mucho las vinculaciones quedan terriblemente claras. También se observa que la única figura femenina que formaba parte del cuadro, era la mujer de la lámpara, en parte genio y en parte alegoría cuyos pechos desnudos sirven para soltar amarras de su presencia corporal..porque como figura de verdad no tenía cuerpo alguno. Y debido a su ingravidez, cuando el cuerpo maternal entró por fin en la composición, con él entró tal vez la encarnación en general, el horror de la vulnerabilidad del cuerpo humano. Por primera vez está presente la sangre que en apariencia se acumula entre los pechos de la madre y el cadáver de su hijo, para acabar formando un charco en las rodillas de la mujer que llora. Espeluznante momento que solo puede dejarnos paralizados. FUENTE: Anne Wagner, Mater Dolorosa. Catálogo de la exposición.

Mucho antes de terminar el mural, Picasso realizó una serie de dibujos conocidos como "mujeres plañideras"...Mujeres que parecen atragantarse con su propio dolor, un tormento representado fechados en mayo de 1937. Los dibujos de Picasso se encargaban de representar lo que sucedía cuando los niños muertos encontrados por sus madres, con tal intensidad radical que despertaba en el público una repugnancia producto del horror. El bombardeo de Guernica desencadenó una destrucción que no había tenido provocación...las huellas de la fuerza mortífera de las bombas de las que nadie se escapa. La madre con el cadáver de su hijo lamentando el destino de la criatura al cielo implacable. El que sangra es su hijo, el que muere es su hijo, la que chilla es su boca...el impacto de la bomba recorre todo el mural...resuena una y otra vez..la capacidad de dar sustento se desinfla. Lo lleno esta plano. FUENTE: Anne M. Wagner . Mater Dolorosa. Catálogo de la exposición.

Producción de los años 40...Momento mori

Nos sitúa a Picasso ante la postura de la muerte...Afrontar la mortalidad en términos prácticos y verbales donde la calavera es una compañera constante. Al igual que Goya está dispuesto a contemplar las formas realistas que adopta la carne sacrificada, la cabeza de la muerte es una insistencia presente en el arte de Picasso de 1939, durante la II Guerra Mundial y los años de postguerra...

MÁQUINAS DE SUFRIMIENTO...ó la dimensión sádica de los retratos de Picasso.

Las cosas se desmoronan, tras el bombardeo del Guernica, Picasso se abrió cmino hacia una escena pública y doméstica. Las mujeres pasaron a primer plano, no como modelos o monstruos sino como fuerzas activas de un mundo cotidiano de la guerra, mujeres llorando, mujeres peinándose, mjeres atrapadas en un búnker...cuadros arrebatadores, cuerpos femeninos desorganizados, retorcidos, proyecto inescrutable... El rostro de Dora Maar, su amante, se muestra afligido, a simple vista desesperado. La desesperación se desliza hacia el autodominio, una especie de orgullo sosegado por su monstruosidad.FUENTE: Jeremy Melius. La supervivencia de Picasso.Catálogo de la exposición.