La sombría solemnidad de la imagen reclama la atención, la bellísima franja diagonal formando un triángulo de luz, el ojo percibe los matices de la luz en un aprendizaje lleno de sorpresas...vemos nacer la luz: una pared negra, reluciente, atravesada por un largo surco oblícuo.. El negro es clave, el ropaje tiene la blancura del pan eucarístico. Sin embargo, en ese espacio opaco que invade la vista, el espectador fija su atención en la dignidad espiritual, de estricto perfil, la verticalidad de la lanza y la preciosa frontera entre la luz y la sombra...sus manos establecen itinerarios...guían las estelas de luz que recorren la superficie...mano firme una, y generosa la otra...de quien no pide nada pero todo lo espera.

JOSÉ RIBERA (1591-1652) pintor barroco español, nace en Játiva, Valencia, sin testimonio documental de su infancia, activo en Italia en 1611, pasa a Roma donde ingresa en la Academia de San Lucas.LLegó a Nápoles donde desarrolla su fecunda carrera pictórica, fue pintor favorito de virreyes españoles. Conocido como "españoleto", probablemente por su corta estatura, casado con Caterina Azzolino, padres de 6 hijos, participa de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista de Caravaggio.

Esta importante exposición de 30 cuadros sensacionales reconstruye los primeros años de su carrera , hasta hace poco desconocida, marcando la tendencia de la pintura "devota" con intención ilustrativa y didáctica. Nos acercamos a los cambios que experimenta su escritura pictórica, sus métodos compositivos, espejo de un proceso lento y complicado.

La posibilidad de que Ribera pueda haberse convertido en artista autónomo a muy temprana edad, hace indudablemente más plausible el desarrollo de una producción tan rica...con una velocidad tal y con formidables resultados, parece que San Jerónimo fue realizado a lo sumo en 2 dias. (F.Bologna)

La extraordinaria calidad de los 5 lienzos de la colección Longhi, el Apostolado, junto a la variedad de posturas, la individualidad de cada presonaje, su severa y concentrada monumentalidad ocupa el espacio del cuadro con una fuerza inaudita....Amplios mantos que confieren volumen y dinamismo a las figuras...

Composiciones en las que el personaje se encuentra en primer término y ocupa casi todo el campo pictórico para dar lugar a imágenes llenas de fuerza y vigor. Aisladas o en pareja, generalmente de medio cuerpo, se trata de santos casi siempre del Nuevo Testamento.

SAN PEDRO Y SAN PABLO

La inscripción autógrafa "Joseph Ribera Hispanus valentinus,civitatis Setabis.Academicus Romanus", pone de reieve el orgullo de Ribera en su origen español y su pertenencia a la Academia se San Lucas.Había nacido en Játiva (la romana Setabis), cerca de Valencia.

El vigoroso naturalismo, la composición comprimida de las dos figuras, el restringido espacio, la caída diagonal de la luz y la soberbia naturaleza muerta del libro abierto...hacen que fijemos la atención en el debate entre los dos santos entorno a un texto escrito en el rollo...los caracteres pseudo-griegos aparecen en el libro y la pagina del tomo abierto,característica que utiliza mucho Ribera.

El uso que hace Ribera de la luz para unificar y dramatizar sus composiciones debe mucho al ejemplo de Caravaggio. El color amarillento de la túnica de San Pedro está equilibrada por el pesado  ropaje verde y rojo de San Pablo, quien estira su brazo derecho marcando la composición geométrica romboidal.

La marcada  gestualidad de las dos figuras corresponde a un encendido debate, quizá pueda ponerse en relación con la discusión entre los dos santos, a la que se refiere la carta de San Pablo a los Gálatas (Gal 2, 11-14) sobre la inutilidad de las prácticas judaicas y la única justificación por la fe en Cristo.(Gianni Papi)

APUESTA PIONERA Y RUPTURA CON LA TRADICIÓN:

Esta impactante serie sirvió para reconstruir la actividad de Ribera en Roma. Al tiempo que Longhi identificó en 1996 la serie de los sentidos,en 2002 Gianni Papi tras un minucioso análisis documental y estilístico demostró que las obras atribuidas al "Maestro del Juicio de Salomón" habían sido pintadas por Ribera.

Aunque ya Aristóteles empezó a estudiar los 5 sentidos, en la Antiguedad grecorromana no se convirtieron en tema artístico...

Aquí Ribera los dota de una sutilísima carga simbólica combinándolos con 4 temperamentos a través de las acciones que ejecutan sus personajes.

Mientras que en la tradición clásica, cada uno era interpretado por un personaje ricamente ataviado alusivo a un sentido determinado...

 Ribera dota a sus personajes de una apariencia cotidiana, vestidos de manera discreta o humilde con acciones fácilmente identificables y la voluntad de recuperar la experiencia sensible como tema principal de la pintura:supone la renovación  completa del género tanto desde un punto de vista estilístico como iconográfico. 

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¿Cuales son los juicios de valor sobre la naturaleza de cada uno de los sentidos?

El gusto y el olfato, interpretados por hombres zafios, corpulentos, manos grasas y manchas rojas en su cara hablan de su temperamento sanguíneo.Se rodean de objetos muy corrientes  destinados a satisfacer  necesidades y placeres básicos.

Decía Lord Byron que "el españoleto humedecía su pincel con la sangre de todos los santos" y es verdad...el espectador con fe establece una relación de fuerza con el cuadro..aquí el evangelio se apodera de su mente : relatos bíblicos que le hacen tomar distancia y sentarse en su reflexión... y lo proyecta...esa es la función de un cuadro...el artista lo sabe y siempre centra la atención en un punto de luz...veamos.... el dedo acusador de Pedro.

¿CÓMO CAPTAR LA GRANDEZA DE UN DETALLE?

LA NEGACIÓN DE PEDRO, pertenece a su etapa romana, composiciones complejas, con varios personajes y cuyos asuntos proceden de la Biblia. Era el tipo de cuadros en los que el artista podía demostrar mejor sus facultades,Ribera demostró su estilo naturalista.

.Sus obras de formato apaisado protagonizan figuras de considerable tamaño en las que el lenguaje naturalista proporcionaba un novedoso y eficaz sistema para dar credibilidad a las acciones y sentimientos de los personajes...Las obras se relacionan con una clientela secular, refinada y aficionada a la pintura..

Ribera aporta una innovación iconográfica determinante: alarga la escena colocando dos grupos, introduce unos soldados jugando a los dados y el anciano que denuncia a Pedro, perfecta unión entre los dos grupos y equilibrio compositivo.

LA MANO EN EL PECHO, clara influencia de Caravaggio, negando su relación con Cristo concentra toda la atención dramática.

En Jn 13,38, una de las últimas conversaciones de Jesús con sus discípulos, se pone de manifiesto por un lado LA MISERICORDIA DE DIOS y por otro la incapacidad y debilidad humana "Mi vida te daré.."..."Pero antes que cante un gallo me habrás negado tres"

Pedro muestra aquí la fragilidad de nuestros compromisos...en cuestión de horas los discípulos traicionan el compromiso voluntariamente adquirido...resulta claro que nuestra vida cristiana no depende de nuestro esfuerzo humano sino de Dios...Él opera, actúa,transforma a través del Espíritu Santo.

Composiciones equilibradas y estudiadas de su etapa romana, como la Resurrección de Lázaro, comunmente representada pero aquí sin referencia exterior y un grupo de 10 personas de estructura comunicativa cerrada. Se trata del cuadro más maduro desde el punto de vista narrativo y técnica pictórica. (Javier Portús)

De estructura narrativa más compleja son 4 pinturas de santos conservadas en la Colegiata de Osuna, Sevilla y que Ribera ejecutó en 1617-19 para el III Duque de Osuna D. Pedro Girón virrey de Nápoles

La radiografía del Calvario demuestra que la posición de la cabeza de Magdalena que en un principio miraba hacia arriba, la acercó más tarde a los pies de Cristo.

Se dijo que el Calvario había servido para que los soldados franceses hicieran prácticas de tiro durante la guerra de la Independencia, lo escribió Richard Ford en 1945 y de hecho parece haber sufrido varios bayonetazos.

En el coro del dolor en torno a Cristo crucificado aparecen 4 mujeres (Prácticamente se ha perdido la figura femenina detrás de Magdalena) con el imberbe Juan Evangelista situado detrás de la Virgen.Esta marcada presencia femenina podría deberse a que la obra la encargó la virreina para sus devociones, quizá para su capilla privada del Palacio Real de Nápoles. (Gabriele Finaldi)

 EL CUERPO DE CRISTO MUERTO, descansa sobre un sudario blanco extendido en el suelo, sostenido por San Juan evangelista, quien, de rodillas apoya su rostro en la cabeza de Cristo.La Virgen con enorme dolor , tambien arrodillada, junta las manos en oración. A la izquierda Magdalena igualmente de rodillas apoya los codos en el suelo y su melena dorada cae al acercar su rostro a los pies de Cristo...imágenes cien veces compartida iconográficamente pero pero con marcado tenebrismo.El sudario blanco y el paño de pureza traducen la textura y calidad de la tela como la arquitectura de pliegues. Lienzo con un complejo historial de atribuciones y aceptado como Ribera en 1925 por Spinosa, piedad encargada por el noble genovés Marcontanio Doria en 1620 y entregada en 1623. (G.Finaldi)

Emocionante exposición, paleta cromática intensa  que recuerda que somos seres en búsqueda, seres necesitados de verdad y belleza.

El arte, como virtud que perfecciona el alma ha servido para transmitir himnos de alabanza, salmos, música, para contemplar, admirar y renovar nuestra mirada.

IMPRESCINDIBLE antes de cruzar el umbral del Museo del Prado, librarnos de una mirada técnica, utilitarista, interesada, analítica, despersonalizada y DISPONER EL CORAZÓN Y EL ESPÍRITU PARA SABOREAR LA BELLEZA DE LA ARMONÍA  DE UNO DE LOS GRANDES MAESTROS DE LA PINTURA ESPAÑOLA DEL SIGLO DE ORO Y UNO DE LOS ARTISTAS MÁS DESTACADOS DE LA HISTORIA DEL ARTE OCCIDENTAL.

¡EXTRAORDINARIA INICIATIVA!